IL DOPPIO VOLTO DELLA BELLEZZA
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Nella vita accade sempre qualcosa di particolare se si hanno occhi attenti per osservare. E’ successo a Francisco Benitez nel 2013 al Prado colpito dal ritratto di Maria Luisa di Parma, futura regina di Spagna dal 1788 al 1808, eseguito da Mengs. Più tardi la stessa venne ritratta anche da Goya, al tempo in cui divenne la personificazione della decadenza della corte spagnola al tempo delle invasioni napoleoniche.
Da qui ha origine la mostra di Benitez lo scorso luglio a Palazzo Nicolaci a Noto “RI/SCATTI. Donna Ines ha perso la scarpina”, composta da dipinti, disegni, fotografie, video e installazioni, che analizza temi quali l’aristocrazia, la bellezza, le classi sociali, la schiavitù, il dominio coloniale e il loro impatto sulla società multietnica di oggi. L’artista, in questa mostra, ci racconta una storia, quella di un’aristocratica spagnola che arriva nel Nuovo Mondo e si trova al cospetto di una domestica nativa d’America che diverrà complice della vita segreta di Donna Ines. La mostra è imperniata sulle figure della serva e della nobildonna. Le opere in mostra tessono la storia della domestica all’interno di una famiglia coloniale: l’esperienza di affrontare una nuova situazione riaffermando la propria identità fino alla lotta per emancipare se stessa in modo immaginario o reale. Il percorso espositivo costituisce la memoria di quei pensieri, della sua battaglia. Donna Ines, invece spende le sue giornate fumando la pipa, come facevano le donne aristocratiche di quel tempo, tirando su la propria famiglia solo per trovare se stessa segretamente vulnerabile e sperduta in questo Nuovo Mondo e in un ambiente a lei nuovo. Benitez da impeccabile scrutatore di animi attraverso i ritratti, decifra il carattere dell’aristocratica e la personalità della serva. Le complesse strutture relazionali vengono trattate con una tecnica esaltante per quanto concerne la fedeltà al dato oggettivo, facendo affiorare il tratto psicologico della persona raffigurata. La capacità è tale da potersi muovere con disinvoltura su registri linguistici differenti che mettono in luce la padronanza dei mezzi che restituiscono attraverso un bisturi pittorico il particolare, il dettaglio, la cura maniacale, così come la sintesi formale creata con poche pennellate. Artista del proprio tempo che sa essere un “archeologo” della pittura antica sconfinando in altri campi, tecniche, linguaggi, egli riesce con questa mostra a far intendere bene qual è la sua idea di contaminazione, di meticciato culturale e artistico, affrontando sotto una nuova veste un tema politico e addentrandosi tra i canali della complicità e la rete di interconnessioni tra i vari personaggi, contemplando sia quelli in posizione di privilegio che quelli ad essi subordinati. Il soggetto in primo piano e il paesaggio sullo sfondo - a volte dal sapore metafisico - innestano un dialogo tra quelli che sembrano scarti temporali, enfatizzati da un apparire familiare e allo stesso tempo estraneo al contesto, in un interessante gioco tra il risolto e l’enigmatico. Ma è anche una riflessione sul tempo, sul ricordo, dove la scelta formale, del soggetto, dà spazio a immagini silenziose in cui memorie personali e suggestioni confluiscono in una dimensione narrativa. Una narrazione dove la bellezza è protagonista, quella ostentata della nobildonna e quella più intima della serva. Ma una bellezza che a poco serve se si è prigionieri di un ruolo da rispettare e che invece è autentica se è indice di libertà interiore. |
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THE MAGAZINE
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Local Santa Fe artist Francisco Benitez leads his viewers into
a parallel universe in his current solo exhibition at the Santa Fe Community College Visual Arts Gallery. Doña Inés Lost Her Slipper presents a series of paintings contemplating two women’s inner challenges when faced with a collision of worlds. In Benítez’s pictorial space, that collision occurs in a fictional realm inspired by Old World Europe and colonial America. Doña Inés, an imagined European aristocratic woman transplanted from her home and into a new world is shown in various reiterations of portraiture alongside her unnamed American maidservant, presumably plucked from her home and people and thrust into a foreign world of service. The artist captures the complexities of these two individuals with a compelling and masterful use of disparate media, ranging from traditional oil painting to ancient encaustic to black-and-white photography. The artist cites his personal heritage as inspiration for this body of work. “I spent significant amounts of time with my Chippewa grandmother in Taos… A major part of inspiration for this exhibition is my grandmother’s story of being sent to a boarding school at the age of eight, her removal from her people’s land and separation from her family,” he stated in the exhibition press release. The son of a Spanish set designer and New Mexican flamenco dancer, he himself grew up in various, disparate places—New Mexico, New York, and Spain—with exposure to multiple cultures. “I felt a need to develop an exhibition that explored the complexity, challenges, and rewards that come from growing up in a multi-ethnic and cultural household… This project in a sense is a way for me to reconcile those identities.” Benítez addresses these complexities with a highly personal and accessible narrative style that smartly utilizes various media, each with subtly differing connotations and resonances. The imaging of Doña Inés, our aristocrat, is created through oil painting with a familiar yet formal historicity. The artist, having spent time in Spain, his father’s homeland, was deeply influenced by such Spanish masters as Diego Velázquez and Francisco Goya, as well as by Baroque master Caravaggio’s tenebrist style. This painterly style combined with her period costume provides viewers with a comfortable point of entry and allows us to situate Doña Inés in a distant, obsolete time and place. The artist then disrupts and challenges this easy characterization with anachronisms such as fictive industrial backdrops and incongruities like unnatural, grid-like overlays of tear drops. She is in a state of continual displacement, yet the foreignness and fracturing of her world is not expressed through her own actions or expressions. She remains politely stoic. Posing for her portraits while bearing the accoutrements of her status and place, she is an object of the world around her rather than a subject. Unenviable product of her unique constellation of time, place, and culture, she is unable and ill-equipped to adapt, grow, change, or enact her will. Even as the artist shifts between media—portraits of her span pastels, drawings on paper and Mylar, and the ancient technique of encaustic—she remains static; she is to be gazed upon, she is not to gaze. The maidservant also suffers from the implications of gaze, yet she is more dynamic, even verging on defiant. She does not come from the aristocratic world in which she is now lost. Again, her energy is reflected primarily through choice of media and a painterly style that feels more engaging, modern, and vital. The maid is shown in oil, but the vestiges of the Baroque, both in dress and style, have vanished. In fact, there is an overriding absence of identity markers: Her dress is plain, her hair is simple. The style of painting is modernized. In State of Mind I, we see the maid’s face. Setting and background are disregarded entirely. Her visage is rendered in wash-like, loose brush strokes. Precise detail fleshes out her intense eyes, confronting her viewers. This dynamic is also at work in a series of photographs taken with a vintage 1930s Kinax camera. In each of these, such as Becoming III, the subject is captured first out of focus, then each frame progresses until she is viewed clearly. Her eyes are always vibrant and active. She sees, she is difficult to see. A photographic metaphor for her identity, now lost through displacement, the ramifications of the individual impact of a large-scale cultural encounter are communicated with poetic simplicity and accessibility. The exhibition is well summarized in Seeing and Not Seeing, a diptych portrait of the two women, side by side. On the left, Doña Inés stands facing away from the viewer. We can just barely glimpse the flesh of her neck. She is primarily wig and costume. She is alone, impenetrable and oppressed. On the right is the maidservant. In a simple white blouse, she stares out at the viewer directly; searching, lost, similarly oppressed, yet alive. Rather than pandering to easy condemnations or didacticism about large-scale historical conditions, Benítez contemplates the implications of the gaze in visual representations and gives us a nuanced and insightful vision of individual lives colliding. |